Con el próximo estreno de la serie Mentiras en la plataforma de Amazon Prime Video, inspirada en la famosa obra de teatro del mismo nombre y original de José Manuel López Velarde, el actor y productor Luis Gerardo Méndez (Nosotros los nobles, 2013; Club de cuervos, 2015) y quien encabeza las producciones originales de México en Prime Video, Alonso Aguilar Castillo (Nadie nos va a extrañar, 2024; ¿Quién lo mató?, 2024) participaron en el panel “Narrar el pasado para conquistar el presente: producción y nostalgia en la era del streaming”, en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG 40).
El periodista David Martos, moderador del panel, se refirió al éxito de las series Nadie nos va a extrañar y ¿Quién lo mató?, desarrolladas en épocas pasadas, misma fórmula que se repetirá en Mentiras, trayendo consigo el pop, moda y vibra de los 80 en México.
“¿Es Mentiras la máquina del tiempo perfecta?”, preguntó Martos a los invitados, quienes concordaron en que la emotividad que genera el paso del tiempo con los objetos, canciones y maneras de relacionarse con el pasado crean una conexión muy especial con los espectadores.
“La nostalgia es un enganche para el público. Lo hemos visto ya en varios proyectos de Amazon Prime Video. Mucho tiene que ver con que nos recuerda lugares y momentos donde fuimos, o nos sentíamos más felices. Se siente como un abrazo cálido al corazón”, comentó Alonso Aguilar.
“La nostalgia de lo que no te tocó vivir es una brújula interesante como realizadores para conectar con audiencias mucho más jóvenes”, agregó Luis Gerardo Méndez.
Tomar el pasado como otro protagonista ha sido una fórmula repetitiva en las producciones de Prime Video; sin embargo, adentrarse en lo que ya fue tiene también que resonar en los corazones del público, y una manera de lograr esa conexión es por medio de la música.
“La música es inspiradora y conecta con otras generaciones; por eso, la música como acompañante de la nostalgia es vital; si la combinas con una buena historia y una increíble producción, nacen cosas maravillosas”, recalcó Luis Gerardo.
“En Nadie nos va a extrañar y otras producciones como Contigo al futuro, la música fue lo que impulsó una conexión especial con el público. Caifanes, Maná, Soda Stereo, era lo que sonaba en ese momento y automáticamente te remite a aquello que viviste alguna vez. Incluso, funciona en las nuevas generaciones y sus ganas de haber vivido otras cosas, otros momentos”, agregó Alonso Aguilar.
En esta nueva producción, nacida originalmente como una obra de teatro musical, para Luis Gerardo Méndez, productor y protagonista, los retos fueron diversos y enormes, haciendo que la producción, dirección y rodaje se alargará por seis años.
“Yo lo soñé. Estaba buscando la obra perfecta para llevarla del teatro a la tele, y Mentiras apareció en mis sueños, era lo que estaba buscando, pero era muy caro en todos los aspectos; por ejemplo, las canciones que necesitábamos son las canciones más famosas del pop en español de los 80. Luego, fue el hecho de adaptar el guion, tuvimos muchos escritores. Tuvimos que crear un nuevo mundo para hacerlo verosímil; un mundo monocromático, apegado al teatro. Todo eso fue llevado por el director Gabriel Ripstein (Amor a primera vista, 2013; 600 millas, 2015), y seis años después aquí estamos”, comentó.
Ambos destacaron también la búsqueda del casting, concluyendo con un elenco de actrices y cantantes nacionalmente conocidas, entre las que destacan Belinda, Mariana Treviño y Regina Blandón.
Mentiras tuvo éxito en su preestreno en Ciudad de México, logrando convocar a más de tres mil espectadores; sin embargo, será hasta el próximo 13 de junio que todo el público podrá viajar a través de las viejas y nuevas canciones de esta serie musical.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 12 de junio de 2025
Texto: Anashely Fernanda Elizondo Corres
Fotografía: Abraham Aréchiga
Fotografía: Abraham Aréchiga
En Los Pirineos un pastor, en la última etapa de su vida, busca un reemplazo para que cuide a su rebaño de los osos, que fueron reintroducidos en el hábitat, poniendo en riesgo los oficios tradicionales de la región y enfrentando, una vez más, al ser humano contra la naturaleza.
Ese es el dilema planteado en la película The shepherd and the bear, del director Max Keegan, quien discutió detalles sobre la filmación de este largometraje en el panel “Medio ambiente, sociedad y cine”, en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG); el filme forma parte de la selección de la competencia del Premio de Cine Socioambiental.
La película plantea la idea de reintroducir al oso pardo en los Montes Pirineos; sin embargo, a pesar de que la propuesta busca atraer un beneficio para el ecosistema, su presencia también es riesgosa para los rebaños de la zona, los cuales son el sustento de varios pastores de la región.
Además de la problemática que se presenta en el filme, el director dijo que atravesó por otras complicaciones al momento de filmar, por ejemplo, la relación que se creó con los protagonistas y la naturaleza, o las complejidades de la geografía y el clima en Los Pirineos.
“Es realmente complicado filmar a alguien con quien eres profundamente cercano y sólo sentarte ahí, sin ningún tipo de emoción o apoyo que ofrecer, sólo filmar; pero tienes que darte cuenta de que ese es tu trabajo y estás ahí para ese momento y así capturar esas emociones de la realidad”, refirió.
The shepherd and the bear también ofrece una oportunidad de conocer las tradiciones de la vida rural, y de esta manera generar empatía con otras regiones y su interacción con la naturaleza, dijo.
“Es muy relevante ver las tradiciones en las comunidades, al mismo tiempo que sus dificultades ecológicas, porque de otra manera es difícil de entender ese estilo de vida para alguien que vive en la ciudad”, aseveró.
Agregó que en su película no sólo muestra el conflicto natural entre el oso y el pastor, sino que también refiere a un enfrentamiento entre lo que representa la supervivencia de la agricultura y la ganadería de los pueblos rurales en Los Pirineos contra la idea citadina de fomentar el desarrollo en la región.
“Estas personas no odian necesariamente al oso, ellos odian la situación que los ha puesto en ese lugar; ellos odian la idea de esta especie de fuerza moral externa que les dice cómo irse de esos lugares que les han pertenecido por mucho tiempo”, puntualizó.
El Director del Museo de Ciencias Ambientales (MCA) de la UdeG, doctor Eduardo Santana Castellón, resaltó que debe de haber una renovación en la perspectiva de las personas para generar conciencia del cuidado de los ecosistemas.
“Por eso son tan importantes las películas, porque todo entra por las emociones antes que por la lógica, y, a través de eso, informándose se pueden hacer cambios colectivamente, pero empezando desde su casa”, precisó.
Indicó que ejercicios como el Premio de Cine Socioambiental, que coorganiza el FICG y el MCA, sirven como escaparates para debatir las problemáticas medioambientales del planeta y así enviar mensajes acerca del desgaste de la naturaleza y el consumo desmedido de recursos naturales.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 12 de junio de 2025
Texto: Prensa UdeG
Fotografía: Gustavo Alfonzo
Fotografía: Gustavo Alfonzo
Cineastas ganadores de los premios Ariel compartieron el proceso creativo que los llevó a obtener ese galardón en el panel “¿Cómo se gana un Ariel?”, que tuvo lugar como parte de la edición 40 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG40), en el Conjunto Santander de Artes Escénicas (CSAE).
Juan José Medina, quien ganó con el cortometraje Tío, compartió que más allá de los premios y el reconocimiento, lo más importante es conectar con ellos mismos y sus historias.
“No estar buscando la tendencia de la animación en el mundo, sino ver qué se está haciendo y tratar de modelar nuestras ideas e historias a partir de eso. Debemos trabajar desde la honestidad de las historias que nos causan conflicto interior, ésas son las que seguramente van a conectar con el público, porque siempre hay alguien más que está pasando por lo mismo”, apuntó.
Rita Basulto, realizadora de Humo y quien se ha desempeñado en varias facetas en la producción de cine, expresó que cada proyecto en el que participa, ya sea en obras de títeres u otras áreas, enriquecen sus proyectos de cortometraje.
“No me puedo quedar en una sola línea, me encanta colaborar, he participado en muchos de los cortos que se han hecho en Jalisco, pintando monos, haciendo elección de arte, foto”, comentó.
En cuanto a su proceso creativo, dijo que le gusta armar una especie de rompecabezas, empieza a dibujar, a dialogar con colegas, a armar el corto y, a veces, viene todo de una imagen que se le quedó grabada. “Es un cúmulo de ideas a las que le vas poniendo un cierto orden y vas armando”, expresó Basulto.
León Fernández, ganador de un Ariel con Los aeronautas, relató que en cuanto a sus procesos de realización es muy poco disciplinado y trabaja de una manera libre.
“En el caso de Los aeronautas, sí decidí ser un poco más ordenado, me puse de manera más disciplinada a escribir el guion, a darle una estructura coherente antes de empezar a escribir, y después pasé al desarrollo de personajes. Seguí unos pasos más ordenados, a diferencia de otros cortos”, expresó.
Dijo que el proceso de ganar un Ariel no surge de que un día te levantes y digas “hoy voy a escribir un corto para ganar el Ariel”. Más bien, “nace la inquietud, como artista, de que quieres trasmitir algo y tienes esa necesidad de expresarlo de alguna manera, y no estás pensando con esto voy a ganar un premio; surge por una necesidad de expresión”, subrayó.
Sofia Carrillo, ganadora con el cortometraje Cerulia, destacó que en su caso la mayoría de sus trabajos de animación siempre han estado vinculados con la niñez y la infancia.
“En el caso de Cerulia las bases de la historia, los personajes, el cómo se visten, tiene que ver con la infancia, es el entendimiento de lo que es la vida con todas sus aristas”, relató.
En cuanto al guion, explicó que tiene un problema con esta parte, aunque cada vez es menor, ya que su aproximación a las historias a veces viene más de la imagen, del color, de lo que transmite el cuadro, más que de una estructura perfectamente diseñada.
Samuel Kishi, director de Somos Mari Pepa, declaró que en su proceso creativo escribir es reescribir; hay una base de guion, pero el lenguaje cinematográfico no se sostiene meramente en el papel.
“Una parte importante de la reescritura es que me gusta hacer storyboard, me gusta mucho el proceso y metodología de trabajo, el backline. Con Mari Pepa fue más un ejercicio de querer hacer las cosas, jamás pensamos en los premios, la terminamos y la metimos a festivales para conocer la metodología de esos procesos, para aprender y generar oficio”, indicó.
El panel “¿Cómo se gana un Ariel?”, organizado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, estuvo moderado por Érika Ávila, quien dijo que esa asociación civil, encargada de otorgar los premios Ariel, está comprometida con el cine mexicano para que se le conozca y valore en México y el extranjero.
“Entre otras cosas, realizamos exposiciones, encuentros entre cineastas y el público; mesas redondas, ediciones de libros sobre el desarrollo de la industria del cine nacional y participamos en la conservación de obras cinematográficas”, informó.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 12 de junio de 2025
Texto: Laura Sepúlveda Velázquez
Fotografía: Adriana González
Fotografías: Adriana González
El trabajo dentro de las películas no se limita a la labor de las y los actores, sino que involucra el esfuerzo de más personas, quienes colaboran en cada detalle del diseño, vestuario, fotografía o escenario, para hacer que las historias fluyan con naturalidad y realismo.
Es por eso que debe de fortalecerse la comunicación entre las y los profesionales del cine dedicados al diseño de arte, vestuario y fotografía, coincidieron especialistas del tema durante el panel “Narrar desde la imagen”, en la edición 40 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG).
“Nosotros hemos aprendido el oficio juntos. Cuando llegamos a este oficio, la verdad es que la dirección de arte o el diseño de arte o vestuario no estaban considerados, y era muy difícil buscar espacios. Entonces, vas armando aliados, vas armando familias cinematográficas y dándole forma al oficio de alguna manera”, declaró Eugenio Caballero, director de arte.
Él, que ha trabajado en el diseño de producción de películas como El laberinto del fauno y Roma, sostuvo que el papel del diseño detrás de las películas es un elemento que no debe dejarse de lado, sino adquirir relevancia ante las sutilezas y detalles que aportan a las historias en las pantallas.
“Lo que debemos hacer es tomarnos en serio nuestro papel y hablar con los directores para que, de alguna manera, se abra esta conversación en la que tenemos que sumarnos a la visión del director, pero desde especialidades en las que nosotros debemos aportar cosas que quizás los directores ni se han imaginado desde el guion”, añadió Caballero.
Esta relación constante entre los miembros de una producción debe de abordarse con libertad para poder crear propuestas que enriquezcan las ideas de las y los realizadores, dijo por su parte Bárbara Enríquez, diseñadora de producción y quien fue nominada al Oscar, junto con Caballero, en la categoría de Mejor diseño de producción por Roma.
“Justamente es por esa libertad de decir, ‘vamos a crear un mundo’, entonces hablemos de los personajes, de quién habita, de quién da vida, de dónde viene y hacia dónde lo queremos llevar y con qué detalle, y si podemos hablar de toda la historia entera que hay detrás”, refirió.
Esos detalles se reflejan en las formas, texturas y colores que se emplean en el diseño detrás de todas las películas, con una particular atención en los vestuarios, los cuales también tienen la posibilidad de transmitir emociones y relatar historias en películas y series, sostuvo Anna Terrazas, diseñadora de vestuario.
Ella ha trabajado en el diseño de vestuario de películas como 007: Spectre; Roma; Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades, y en series como Pedro Páramo. Dijo que debe existir un trabajo previo de reflexión y análisis para conocer las posibilidades en el diseño de las prendas de los personajes.
“Creo que sin eso no disfrutaría lo que estoy haciendo, porque de ahí viene todo el proceso, toda la imaginación; aparte, es importante estar abierto y escuchar”, aseveró.
El cinematógrafo ecuatoriano Enrique Chediak compartió que desde la fotografía se trabaja constantemente en la experimentación, lo que ayuda a elegir las mejores técnicas o escenas para contar las historias de cada proyecto desde un concepto que se aborda y se explota para el relato.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 12 de junio de 2025
Texto: Pablo Miranda Ramírez
Fotografía: Fernanda Velazquez
Fotografía: Fernanda Velazquez
La cantante Denisse Guerrero, exvocalista de Belanova, impartió la masterclass “Honestamente, Denisse Guerrero”, en la que confirmó su vocación: cantar las canciones que compone en lo cotidiano y que cuentan su vida.
“Encontré mi voz en la cotidianidad y en lo que vivo cada día; me inspiro viendo un plato, esperando el camión, pasando por una gasolinera; la inspiración me viene de todas partes, mi vida está en mis canciones”, compartió la cantante ante un nutrido grupo de fans en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG 40).
En una conversación íntima sostenida con el Director del Premio Maguey, Pavel Cortés, Denisse habló tras un periodo de silencio de cinco años, alejada de la vida pública; la desilusión de una carrera, en apariencia exitosa para ella, que decidió abandonar antes de que le costara la vida.
“Decidí que no quería esa vida porque me había hecho sentir mal, me había dañado y estaba desilusionada de mi carrera, y ya no quería hacer música”, confesó.
En ese tiempo de retiro entendió que, para crear, ya no tenía que sufrir. “Me decían que estaba en un punto de mi vida en que para escribir tenía que sufrir. Y ahora sé que, como artista, debo dejar de ser tan vivencial porque, de seguir así, te mata vivir ciertas cosas dolorosas o tristes”, compartió la artista.
Recordó que el glamour y la cúspide de su carrera no significó la felicidad; al llegar ahí, se dio cuenta que no era como lo imaginaba. “Yo veía eso y pensaba que eso era la felicidad, decía que cuando llegara ahí, sería feliz. Y no es cierto, la felicidad está en otro lado, es decir, la felicidad viene desde adentro”, declaró.
Pasó el tiempo, rechazó propuestas para retornar. Pero una cosa la llevó a la otra, y decidió volver para agradecer a su gente.
“Cuando me fui no tenía idea de lo que estaba pasando. Y, con mi regreso, todavía no tengo tantas ganas de cantar, pero sí de agradecer. Y reconocí que la música y estar con el público me hacen bien, me subo al escenario y es una terapia”, detalló.
Con el mismo ímpetu de hace veinte años, la cantante retomó los cuadernos para arrojar una lluvia de ideas de su vida, palabras que hablan de tú a tú con su público.
“Yo quería que el público pudiera interpretar mis canciones como una conversación; que en ellas vean a un amigo, o a sí mismos, frente al espejo, detrás del volante, porque pienso que eso conmueve, conecta con los sentimientos y con la cotidianidad de la gente”, dijo.
Pavel Cortés dijo que Denisse Guerrero es parte de la historia y memoria musical.
“Con su música nos acompaña y apoya a través de un diálogo cariñoso, como cuando la conocí hace muchos años, siempre talentosa, multifacética, intuitiva y llena de sueños”, reconoció Cortés.
La cantante será galardonada con el Premio Maguey de Trayectoria. Además, la solista participó en la exhibición del documental Murió la fantasía. Actualmente se encuentra montada la exposición Honestamente, Denisse Guerrero, moda, música y cultura pop, en la galería de la Biblioteca Pública del Estado de Jalisco “Juan José Arreola”.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 12 de junio de 2025
Texto: Adrián Montiel González
Fotografía: Abraham Aréchiga
Fotografía: Abraham Aréchiga
Los inicios, trayectoria, formación autodidacta y todo lo que experimenta el guionista, productor y director Michel Franco en cada producción cinematográfica, fue compartida como parte de las actividades de la edición 40 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), que tiene como sede el Conjunto Santander de Artes Escénicas (CSAE).
En la masterclass titulada “Narrar sin concesiones: una mirada al trabajo de Michel Franco”, que estuvo moderada por el actor y productor Óscar Uriel, se recordó que desde los 15 años empezó a obsesionarse con el cine de Woody Allen, entre otros directores y desde ese tiempo ha sido un convencido de que el cine lo hace una sola persona, independientemente de que esté rodeado por 200 más.
“Hay un gran equipo atrás, pero la visión es de una sola persona, y las porquerías de películas que estamos viendo hoy, que están fracasando con millones y millones de dólares, tiene que ver con que creen que se puede hacer una buena película juntando a ejecutivos en una oficina decidiendo qué producto o contenido van a hacer, y salen unas barbaridades terribles”, lamentó.
Con formación como licenciado en Ciencias de la comunicación, en materia de cine se considera autodidacta; a los 19 años tomó un curso donde aprendió a exponer una película, cortar el negativo y proyectarlo.
“El miedo y la presión a no armarla en este medio rápido me llevó en esos cuatro años de universidad a filmar por cuenta propia dos cortometrajes cada semestre. Creo que de los 15 cortos que filmé en la universidad, sólo cinco se pueden ver”, compartió.
El director de cintas como Sundown: secretos en Acapulco (2021) y Después de Lucía (2012), expresó que aunque en su momento le hubiera encantado ir a la escuela de cine, no se arrepiente no haberlo hecho, porque así le han salido bien las cosas.
“En el momento me moría de ganas de estar estudiando cine todo el tiempo; sin embargo, nadie te puede enseñar a hacer cine, ya que es una expresión personal, una voz que tienes, encuentras y moldeas. Si quieres ser director, ser asistente te ayuda muy poco, tienes que vivir en carne propia la vergüenza de filmar algo, mostrarlo, que aburra o te lo critiquen”, precisó.
Sobre el papel que juega la suerte en el mundo cinematográfico, dijo que mucho es suerte, pero lo que siempre les dice a los directores jóvenes es que si no les fue bien al primera, segunda o tercera producción, el director que sabe que tiene la vocación hará un quinto, sexto o séptimo intento hasta conseguirlo.
En materia de festivales de cine, dijo que siempre han sido una plataforma muy importante para cumplir sueños, que abonan a la ilusión de encontrar más público y, en su caso, desde que hizo la primera película no pensó en un premio o en un jurado en especial, nada más hizo el cine que le gustaría ver proyectado.
Atentamente
“Piensa y Trabaja”
“1925-2025. Un Siglo de Pensar y Trabajar”
Guadalajara, Jalisco, 11 de junio de 2025
Texto: Laura Sepúlveda Velázquez
Fotografía: Iván Lara González
Fotografía: Iván Lara González